No Parque de escultura Krolikarnia Palace grupo extremamente criativo panGenerator irá apresentar a instalação interativa „a música das esferas”.

Entre os eventos de ópera e para-caiam planned

No Parque de escultura Krolikarnia Palace grupo extremamente criativo panGenerator irá apresentar a instalação interativa "a música das esferas".  Esferas de Título são bolas de som que você será capaz de tocar enquanto ouve o que é bom para o seu ouvido a partir desta diversão. O compositor de Wroclaw Slawomir Kupchak vai se preparar juntamente com alunos da escola de música em Jelenia góra performance musical chamada „I don’t know.”Eu não sei” é uma condição que inspira o autor, estimula mais trabalho. Durante a apresentação, vamos encarnar, Reviver eu não sei com a ajuda da improvisação. 

Na RSE será micropera „peixe silencioso” de Yaroslav Sivinskogo, de acordo com librett Margaret Colch. A pista move-se todos os dias, coisas importantes e fundamentais, incluindo-familiar a todos nós-o problema da corrida perpétua contra o tempo e a mudança de pais e crianças em expectativas mútuas. Tudo com o humor certo e autores à distância. 

Em apoio, como qualquer outro ” em busca de vozes.”Um guia será Jeanne Fresel-soprano deslumbrante, que terá uma aula de mestre vocal. 

Vamos verificar: de que é construída a nossa ferramenta, como ela funciona, como usá-la e como cuidar dela. 

Serão muitos dos primeiros-ministros de muitas canções, conhecidos e estreantes na Polónia artistas, bandas e orquestras, m.in.: GrauSchumacher Piano Duo, music co-op, SCENATET ou lux: Nm Berlin. 

Além das mencionadas obras vai realizar compositores, tais como mark Andre, Martin Bortnowski, de cerca de Adamka, Pierre bastien, Brigitte de Munchendorf, Sofya Dovgiallo.

59. O festival „Warsaw Autumn”, que será realizado de 16 a 24 de setembro, visitará muitos locais de concertos em Varsóvia, em particular, na Filarmônica Nacional lituana, no Estúdio de Concertos da Rádio Polonesa. V. Lutosławskiego, Sugar Factory, at the Pool, Art, Krolikarnia, Contemporary Art Center, and Theaters:

New and IMKA. radice e modernidade vai estar presente em todos os eventos do festival, 

multimídia, parametresini e parasciences variando de miniopera instrumental teatro, monodrama objetos mais complexos e inovadores, no conteúdo e na forma, a obra de multimídia,” – disse Anna Kirkos do escritório do festival.

New and IMKA. radice e modernidade vai estar presente em todos os eventos do festival, O festival será aberto com uma canção-uma história de áudio sobre a transformação de uma árvore em música, ou melhor, música inspirada pelas árvores, „floresta tropical” Grazyna Pstrokonski-navrátil foi realizada por flautistas Lucas e Agatha Dolgoch.Também no primeiro dia do festival, O Teatro instrumental „Angel View” para Hodkinson será realizado no final da noite. Como Kirkorov observa, é um verdadeiro deleite para a música de lixo dedicada e soando objetos „estranhos”. O outono de Varsóvia, como de costume, vai se concentrar em novos sons, narrativas sem precedentes, histórias improvisadas, glosas, sombras e espaços do Mosteiro contemporâneo, mosteiro e audiosfera. 

„O outono de Varsóvia deste ano será único porque seu tema é o círculo de ópera”, disse Dad Tadeusz Polotsky, diretor do festival-ópera é talvez o gênero musical mais viável, e ao mesmo tempo é um gênero espetacular. A ópera moderna é bem combinada com a cultura popular, como um público amplo, não apenas visitantes da Filarmônica. É também uma grande direção procurar novos timbres, experimentos em zonas, cruzando os limites das espécies, trabalhando com novas tecnologias em busca de sons originais e narrativa musical, que é a idéia do nosso festival.

Entre os eventos de ópera e para-caiam planned

in a estreia de Varsóvia de” Magic mountain” – a Ópera de Paul Mecatina no novo teatro micropera para crianças (e famílias) „silent fish” de Yaroslav Sivinskogo em um pequeno outono de Varsóvia e a ópera multimídia Aaron com Slawomir Wojciechowski. A figura trágica de Aaron Swartza é um desenvolvedor, publicista, político e ativista americano que se tornou um símbolo de resistência contra as tentativas capitalistas de limitar a disponibilidade universal de conhecimento e informação. Nome Aaron S. Ele também é um modelo de não-conformidade em sua abordagem ao som, camada de linguagem, ideia e até mesmo design de instrumentos.O público, que são particularmente sensíveis a novas mídias, os organizadores do festival recomendam „Lost highway” (Lost Highway) – Ópera de Olga Neuwirth com o libreto do controverso escritor Noblistki especialistas Jelinek. 

Entre os eventos de ópera e para-caiam planned personagem principal, juntamente com Fred / Pete esquizofrênico é igualmente música, bem como vídeo. A culminação do canal de Ópera do festival será duas obras de Salvatore Sciarrino: „Infinito Nero”e” Luci mie traditrici”. Sciarrino será a figura Central deste Festival. Além de duas óperas, suas obras, instrumentais, serão apresentadas. No final, a obra do compositor „Shadow of Sound”também será executada.Sciarrino Ópera será realizado duas vezes-como no caso de Paulo Miketin da” montanha mágica „e Fabián Panisello da Ópera de câmara” Le Malentendu ” de albert Camus) para garantir que o maior número possível de pessoas possa ouvi-los.

A segunda metade começou

No Parque de escultura Krolikarnia Palace grupo extremamente criativo panGenerator irá apresentar a instalação interativa "a música das esferas".

No Parque de escultura Krolikarnia Palace grupo extremamente criativo panGenerator irá apresentar a instalação interativa "a música das esferas".  „Double Up” (2010) para a sampler e Simon Steen-Andersen pequena orquestra, que também ouvimos no dia anterior. „Como é bom”, pensei – ” no final do festival, pelo menos, uma composição interessante, vai ser útil, que vai sacudir os hábitos, vai encontrar algo de novo na frente do ouvinte,” mas eu não tenho tempo para pensar sobre isso até o fim, porque eu comecei a correr musicais pantomima, em que as amostras da vida cotidiana (os sons da rua, rádio, telefone, derramar bebidas, etc.) mixed with the orchestra, which played music from the cartoon. Composed by Rolf Wallina Concerto for trumpet and orchestra „the Fisher king” (2011) also did not protect, did not help Håkan Hardenberger, very involved in the song. Encontrar sinais de caça com a orquestra, onde todos são pomposos. Eu não sei por que eu não gostei, talvez porque eu tinha a sensação de que, após mais de uma semana de comunicação regular com a música que nem sempre me satisfazer, mas pelo menos tenta revelar algo para mim, eu me mudei para uma realidade paralela, onde já existem instrumentos eletrônicos, mas todo mundo fala a mesma empoeirado idioma. 

As finais do Festival são muitas vezes um desastre, pelo menos foi durante o decorrer dos 58. edições do festival Internacional de música contemporânea „Warsaw Autumn”. Antes de eu ir para descrever este não-tão-feliz eventos, lembro-me de mais brilhantes momentos do festival, na ordem subjetiva: silencia e cruzeiro „o segundo sonho de alto rendimento da linha de Stepdown Transformador” La Monte Younga, que me deu força durante toda a semana de concertos; energético e bastante antigo, „Ar”, o que provou que Hubert Zemler um renomado músico; uma canção de Martha brown e Simon Stanislaus Sagittarius, que dão esperança que em uma interessante e novas faixas; performance os clássicos (Grisey, Szalonek, Nono, Niblock, Scelsi). Eu odiaria terminar esta listagem porque significa que eu tenho que começar a escrever sobre o show final e é doloroso porque escrever sobre música é uma maneira de revivê-lo e lidar com lesões pode ser doloroso. 

A comunicação com” Têxtil ” Justė Janulytė foi a experiência menos dolorosa naquela noite, foi simplesmente indescritível. 

Típico báltico som bastante agradável e sentimental cópia de Arvo Pärta e de outras regiões da minimalistas; é uma pena, porque Janulytė é um talentoso compositor e tem muito mais interessante músicas, o que também foi consistente com dinamicheskoi o tema do outono (por exemplo, „Balta muzika” 15 instrumentos de corda, também, consistentes e estático minimalista, mas um pouco mais radical). Na nota do programa, o compositor citou Bruno Schultz, que é um gesto ousado, porque sua prosa é muito musical, o que não é muito modesto para comparar algo seu próprio com ele. Em sua descrição da grande transição (2013), Ícones para piano e outros instrumentos de concerto e Orquestra Sinfônica, Georgy Kornovich descreve a história de um jovem músico que uma vez desapareceu, criando „improvisadas” situações de som e quebra-cabeças musicais. Não adivinhe”, e mais tarde coloca o raciocínio de historiozoficzne („todas as grandes transições têm algo em comum, medição da mudança fundamental – seja através do Mar Vermelho, as portas douradas de Kiev, ou da Maidan”). A partir disto veio uma faixa que se refere a todos os tipos de epochs, especialmente os antigos, com uma parte repetitiva e extremamente tediosa-contínua piano. 

A comunicação com" Têxtil " Justė Janulytė foi a experiência menos dolorosa naquela noite, foi simplesmente indescritível. Muito patético, especialmente no final da canção, quando tudo começa a se incendiar (e morrer). A estreia da canção ocorreu em dezembro de 2013 no hall da Academia Nacional de música da Ucrânia, que fica a dois passos de Maidan, que eram então os maiores (e então najkrwawszymi) protestos. Felizmente, as seguintes músicas foram muito mais interessantes. Em” Studies for String Instruments 1-3 „(2007-11) Simon Steen-Andersen limitou Vincent calmamente e movimentos que o músico pode tocar qualquer Quarteto de instrumentos é” coreograficzna o jogo, e até mesmo dança, que ele mesmo akompaniuje”, diz o compositor. Gostaria de acrescentar que o estudo no sentido mais profundo da palavra: músicos de trabalho independentes (Tanya Horning, Karin Hellqvist e Dagna Sadovsky, a grande actriz e solista) numa base regular e é uma experiência de investigação. Musicalmente, a parte mais interessante é a parte dois, onde ouvimos a guitarra processada pelo pedal whammy, um efeito que lhe permite mudar suavemente a roupa de guitarra. 

O mais espetacular é a terceira parte, na qual a ferramenta se torna um objeto em movimento e é usada em várias posições – horizontalmente sobre os joelhos, de cabeça para baixo, e assim por diante. Ao mesmo tempo, esta projeção de vídeo é lançada por trás, que é aproximadamente a mesma coisa que dá um efeito de interferência aterrador, como se a música do holograma estivesse saindo da tela. Acho que viste um filme de terror chamado The ring. 3 de outubro de 2015 as duas primeiras partes da composição Steena-Andersen pode ser ouvido em Torun OSO, eu sinceramente recomendo. „Circle” teve sua continuação no palíndromo musical „Mach Sieben” (1999-2000/2012) Michael bale. Antes de executar esta música, uma gravação de vídeo é feita durante um concerto em aeroportos na parte de trás. Ou seja, em paralelo uns com os outros, observamos duas situações que são quase as mesmas. Em prawykonaniu nova versão de „Re-slide” (2012/2015) para trombone solo e grupo Vita Žuraja foi também um monte de jazz, mas foi completamente desinteressante. 

É a décima quinta faixa de um compositor esloveno para se referir ao tênis (sic!), 

desta vez usando um termo que significa perda de equilíbrio na corte, na terminologia musical slide-slider (como em trombone). Eu não ouvi nenhuma perda de equilíbrio, nem mesmo o menor deslize; o trombonista estava mudando o som de seu instrumento, mas ele ainda soava quase o mesmo. Deixe-me lembrá-lo que alguns dias antes disso foi feito „improvisação Sonorística” Witold Salonga, que foi feito trombone quase absoluto. À noite, íamos concluir com um poema perfeitamente tocado „Anahit” (1965), lírico em homenagem à deusa persa, a predecessora de Vênus. Jovens músicos, liderados por Bon excepcionalmente bem puxado de canções clássicas de Scelsi todas as harmonias, que em momentos climáticos fazem som como hinos para os antigos deuses de Scelsi conseguiu entre suas notas para capturar o canto é raro. Antes disso, podíamos ouvir duas canções que foram uma agradável Introdução à obra-prima. Primeiro, um dos poucos que prawykonań encomendou este ano no outono de Varsóvia „l’Atelier de Sensorité” (2015) Simon Stanislaus Archer, compositor, estudou em Cracóvia. 

É a décima quinta faixa de um compositor esloveno para se referir ao tênis (sic!), Flecha miniatura fora antes do início do poço, embora por aqueles poucos minutos ele consegue espremer para fora da orquestra, um monte de flores (no início, a orquestra foi apoiada por plástico bolha, que os músicos pstrykali. A composição é bem pasowałaby” aer ” Marty Brown, apresentado no festival vários dias, os jovens desenvolvedores têm uma sensibilidade semelhante aos sons. Depois que o Arqueiro ainda estava jogando „Cardinem” (2014) faixa kompozytorki Norueguês Ragnhild Berstad, que está inspirando o canto de Robin e scelsiego música criaram sua própria paisagem sonora, sugestiva, mas não você, muitas memórias. 

Dia oito: faixas diurnas com uma camada visual

O evento do oitavo dia foi a estréia de um” Lost PLAY ” (2015) bagas de Smidi, performance interespecífica simultânea, cantor, solista, ensemble, United media e ao vivo (de acordo com o compositor). Eu diria que este é um jogo de ópera, mas vou escrever sobre ele em breve em outro texto, porque é um tópico muito extenso que precisa de um pouco mais de atenção. Aqui eu vou escrever apenas que é muito agradável que no outono de Varsóvia há canções que eles trazem entre-nada mentira-geralmente apenas uma audiência de Verão, tanta emoção. É uma pena que, em seguida, tivemos que ouvir ambas as canções secundárias como” 20 Pianos ” (2014) por Matthew Herbert, um compositor de música de clube muito capaz e produtor de muitas estrelas famosas (a propósito, Roisin Murphy).

In The Concert Studio PR. Witold Lutoslawski fez Quarteto Lutoslawski e quinteto Lutsar, conduzido por Maciej Koczur

In The Concert Studio PR. Witold Lutoslawski fez Quarteto Lutoslawski e quinteto Lutsar, conduzido por Maciej Koczur

In The Concert Studio PR. Witold Lutoslawski fez Quarteto Lutoslawski e quinteto Lutsar, conduzido por Maciej Koczur As músicas tocadas são muito diversas e cada uma precisava de diferentes condições de palco: as interrupções duraram muito tempo, mas os temas nos movem para mundos completamente diferentes. A primeira foi a canção de Paul Hendrich, „Parametros” (2015) no acordeão (interpretado por Rafal Luts), quinteto de metais e quarteto de cordas. O nome vem de duas palavras do grego antigo, pterón (pen) e pétros (pedra), em sua canção, o compositor queria lembrar o som de penas e de pedra, e alguns fragmentos foram realmente plumy, muito macio, mesmo traços parecia mais suave. 

O acordeão, o elemento mais interessante da nova composição de hendrich, foi nomeado para a liderança, o resto dos músicos o acompanharam. A faixa é agradável não só para o público, mas também para os músicos (na música moderna raramente podemos ver instrumentalistas que tocam livremente e com um sorriso, as partituras raramente permitem). Quero dizer: „bom começo para o concerto”, mas não é bem verdade. Depois de uma luz e zwiewnym Hendrichu encontramos um „”Hay que caminar” sognando” (1989) para dois violinos, a última canção, escrita por Luigi Nono. Esta composição é calma e requer atenção, muito pessoal e cheia de tensão. 

E para isso, uma linguagem que fala que não choca perversidade, gabar – se, uma abundância de sons, mas é diferente do que ouvimos todos os dias-refere-se aos meios tradicionais de expressão, mas o peso está algures fora da música. Na sala de concertos há oito mesas de trabalho com notas, nas quais os artistas devem fazer turnos para se aproximar. Isso se refere a homônimo errante (hay que caminar, que significa „um deve vagar”), Nono inspirado por uma inscrição na parede da Catedral de Toledo, que diz, „servi ao Senhor com temor, não há estradas, deve-se vagar”; o sognando é, por sua vez, em italiano („sonhando”,”um sonho”). O desempenho foi ligeiramente interrompido por um sinal de telemóvel: outro elemento estranho, nada que corresponda ao foco que nos permite ouvir.

Estamos a falar de uma elevada estética do ruído este ano, no outono. 

Estética, que em geral não deve estar presente no festival de música contemporânea, porque copes independentemente, sem o apoio de ninguém e presença em situações okołofilharmonijnych (sobre a submissão Merzbowa, o ruído clássico japonês tem mais no primeiro episódio do meu jornal de Outono de Varsóvia). Acontece que seu desempenho causou muitas emoções entre alguns; houve uma ampla substituição de comentários no blog da Sra. Dorota Szwarcman, até Tadeusz Wielecki, diretor do Festival, falou. É necessário dar parte das palavras do diretor do festival: 

Estamos a falar de uma elevada estética do ruído este ano, no outono. Tadeusz Wielecki, 24 de setembro às 17: 36: „quero assegurar a todos que o outono de Varsóvia não busca e não vai se mover para a música pop. Merzbow no programa este Outono não veio de motivos populistas, apenas por causa do tema principal, como Dynamistatyka. [… O ruído teve que ser mostrado, porque é música-um objeto no qual o paradoxo do dinamismo vai além da própria situação da recepção auditiva. Pessoalmente, gênero que eu não gosto, mas, além das razões relacionadas com o tema deste ano, estou um pouco excitado didática aspecto: os fãs de Merzbow que caem no outono, em Varsóvia, apenas porque ele pode aprender, a propósito, que o ruído como uma artístico postulado não é uma invenção moderna, disse que mais de uma centena de anos, mas, mais importante que a música não depender exclusivamente de sentir esse fenômeno, propenso à reflexão. E talvez exclamem: „assim, toda a vida falou em prosa!?””.

[Aqui está o início da discussão, aqui está o seu desenvolvimento e a declaração do grande. Não é uma coisa que recomendo a todos que leiam, mas os chamados amantes e observadores da vida cultural na Polónia podem provocar. Para ler o seu comentário eu também convido]. Mas vamos voltar ao festival. Após o intervalo, fomos transferidos a bordo da nave espacial, que está no bordo da nova versão de” Akrai ” (2008/2015) Michael Pavelka. Na sala escura ouvimos um quarteto de cordas, um quinteto de metais e processamento de som eletrônico, que era controlado pelos próprios artistas. Nos pulsos foram instaladas Pulseiras luminescentes, que configuram os fotores que lêem o movimento da corda. Parecia um filme de ficção científica do final dos anos 60. 70. Quer dizer, delicioso. No início, a retro electronics prevaleceu, nós podíamos ouvir um monte de tons baixos, que na música moderna descer ao fundo. A narrativa desenvolveu-se lentamente e inquieta, como em um filme, logo depois que havia mais espaço para o violino, que em lugares soava como a” Polimorfia”de Penderecki. 

Da nave espacial fomos ao epicentro do quarteto de cordas, um instrumento que tem sido avidamente utilizado por compositores por cerca de 250 anos.

 „In Vivo” (2008-2011) Raphaëla Cendo é dividido em três partes. O primeiro se concentra na massa e textura do som, os instrumentos criados pela folha rzężą e creak, os músicos não encontram tempo para recreação, e ao longo de cordas irritantes para o som o som estava em movimento (parte é muito interessante). A segunda parte é aproximadamente a mesma, mas tudo é extremamente lento, como se você deixar ir de um disco de vinil em um ritmo ruim e ainda segurar a placa com o dedo para fazê-lo girar ainda mais lento (a parte é igualmente interessante). A terceira parte é o executor ainda mais assassina do que a primeira, desta vez, o compositor não se concentrou na saturação, mas também na divisão (escuta bem, mas dura muito tempo, não traz nada de novo nas duas partes anteriores). Música muito interessante, que está incluído no centro do som e do corpo-performer.Muitas vezes pensamos que o lugar onde vivemos está no mapa e rodeado por alguma fronteira, pertence a alguém. 

Da nave espacial fomos ao epicentro do quarteto de cordas, um instrumento que tem sido avidamente utilizado por compositores por cerca de 250 anos.No entanto, basta ir para a faixa de fronteira para deixar de se sentir confiante e à vontade, mas e os lugares com um estatuto transitório? „Nossa visão é se locomover de uma cidade enorme fachada do teatro Bolshoi no sul Koulunu, perto do Cais de Ferry Star, em Hong Kong, em 360 graus, durante todo o dia e toda a noite, nós jogamos uma espiral, girando a vista, que a música está tentando dar a esta incrível, de tirar o fôlego fachada para cobrir podupadające, extremamente triste, o estaleiro, a cidade, ouvir seu som, começamos cedo de manhã e olhar na direção Leste… ele escreve no primeiro quarto da auto-intitulada descrição da canção „Niemandsland” (2009) de Johannes Schelhorn. Esta é uma daquelas músicas que pode dizer excepcionalmente muito, causar um monte de pensamentos e imagens na cabeça do ouvinte, embora estes pensamentos são difíceis de expressar mais tarde.

Há uma anedota da vida de Schumann que pergunta O que significa que a sua faixa deveria dizer „isto” e apenas tocar. Pergunto-me o que diria Schelhorn numa situação destas. Todas as faixas piano está lutando por prioridade sobre uma equipe que nem sempre é possível, porque soa bem com os ossos do tambor. Mais uma vez, no outono deste ano, tive a sensação de estar a ouvir uma composição imbuída de jazz: entendida como música que tem uma forma invulgar, muita respiração, fisicalidade e virtuosidade instrumental. No sétimo dia do outono de Varsóvia pudemos ouvir o seminário Europeu sobre música contemporânea sob a direcção de rüdiger böhn, que copia perfeitamente com essa música.